中国画创作发展到当下出现了很多问题，包括市场的干扰、传统底蕴的缺失，以及艺术教育出现的一些问题，在此之中，中国画与书法的关系无疑是核心议题之一。中国画离开书法还能走多远？在北京画院传统中国画研究中心今年的年会上，参会学者与艺术家就此话题展开了热烈讨论，特选发部分观点。
齐白石，借山图卷(共二十二开) 之四，1910，北京画院收藏
李树声（中央美术学院美术史系教授）：书与画本身就是一种审美趣味
谈中国传统绘画的时候，书与画本身就是一种审美趣味。我们使用的材料工具不一样，我们的审美趣味，我们欣赏、喜欢的东西跟外国人也不一样。西方人是先有一个物象，然后把这个物象搬到绘画的空间，放到一个平面里，然后表现得逼真。自古以来，我们的传统绘画比较强调主客观的统一，要是离开六法，那就离开了我们这个传统的法度。我们的传统是“外师造化，中得心源”，这八个大字也是永远不能忘的。 我在美术界已经64年了，我的体会是：真正想要去笔又去墨，那就甭要中国画，要中国画，就永远不能去。离开了书法，中国画走不了多远。
李凯（天津博物馆副馆长）：书法元素越来越少肯定是异化了
中国画书法因素的逐渐退出，与画家学习基础变得狭窄、书写习惯的变化、我们国画教育的体制、我们的评价体系，特别是与我们这几十年对中国绘画优良传统缺少足够尊重，不注重传承有着直接的关系。
中国文化从来不是强势文化，西方绘画被视为现代的绘画，中国画往往被一些人视为穷途末路，传承的割裂和减弱，结果必定显现。我们在审视世界各民族绘画艺术时，会感到中国绘画是独立于西方绘画系统的，是源远流长、独具特色的，是高度发达的艺术。而今中国画的发展基于西方艺术的嫁接融合，在全球化的背景下，风格发展也是自然而然的。但是中国画如果将书法褪去，无疑中国画的民族文化特点将会愈加衰退。中国画离开了书法是不是可以画下去？但是这个元素越来越少，肯定是异化了。
中国画教学中，应该强化书法教学，应该临习经典作品，让学习书画的人都认识经典、理解经典，要认识中国绘画发展的规律，而且要大量观摩经典作品。
苏轼，黄州寒食诗帖，台北故宫博物院藏
杜鹏飞（清华大学博物馆馆长）：文化才是艺术的内核
书法作为绘画的基本语言、基本元素，它是基石。没有基石，你把书法的因素剥离开之后，真的就不剩下什么，一定就坍塌了。还怎么谈到它能走多远呢？
就书法而言，我们在技法上有很大的进步，但又没有大家。绘画也是如此。归根到底是文化层面上的问题，是我们在艺术教育当中对文化不够重视形成的。文化才是艺术的内核，才是它精神寄托的所在。
最后回应一下，吴冠中先生讲到“笔墨等于零”，其实吴先生讲这句话的时候是有前提的，现在常常把前提抛掉了，我要还原一下，他是说：脱离了绘画造型的笔墨等于零。
吴冠中，春风又绿江南岸，2007，中国美术馆收藏
刘墨（北大历史文化研究中心研究员）：一个说的是造型艺术，一个说的是文人情怀
刚才说吴冠中“脱离造型的笔墨等于零”，我再还原一下：1992年，香港明报月刊的主编请吴冠中吃饭，万清力也在。聊的过程中，万清力听到吴冠中说了一句话：笔墨等于零，他站了起来，说：吴先生我没听清楚你再说一遍。吴冠中讲：我说笔墨等于零。两个人就吵了起来。后来明报主编说你们两个别吵，各写一篇文章，放在我的明报上发。后来这篇文章出来，万清力一看，吴冠中加了“造型”两个字，他说，脱离造型的笔墨等于零。这是万清力亲口跟我讲的。
吴冠中谈的是造型艺术，万清力是文人情怀，他讲的是明清以来从董其昌到黄宾虹到陆俨少，其实两个人说的完全是两回事，不太搭界。
这里面还想补充一下，刘国松的师傅是丁衍庸，丁衍庸1978年在香港去世的。刘国松有一次去看丁衍庸，丁衍庸正在用羊毫写字，他很高兴，他说国松你看我二十年下来，我这个羊毫终于写的像狼毫那么挺拔了。刘国松就问老师，你不会直接用狼毫笔吗？一个是强调火候，讲的修养，讲的内功，一个是直接讲的视觉效果。
李苦禅，白菜蘑菇，1959，北京画院收藏
王明明（中国美协副主席、北京画院院长）：进入中国画里探究最深的东西
我画画这么多年，从五岁开始，一直没离开毛笔。我觉得我对中国画的理解是慢慢深入，而且到现在也没有完全理解，因为中国文化太博大精深了。6岁的时候，我爸爸带我去见李苦禅，我把我写的字拿给他看，老先生拿来以后，他没正面看，他翻过来看，当时我不理解，他跟我爸爸说，看这个孩子用笔是不是沉稳，力透纸背，当时我很小，可是我就记住了，这个线条要吃进去。
我现在想的问题是，绘画和书法的最高境界是什么？绝对不是技艺的层面，绝对是形而上的层面，那些大师所追求的，是我们根本摸不着的东西。这是我的体会。
我特别庆幸，没上美术学院，我考上了中央工艺美院，没去。为什么庆幸呢？有一个好处，没有任何人束缚我。可是我有一个特别的条件，就是我小时候见过很多老先生。齐白石1957年去世，我刚刚开始画画，我爸爸说如果他1959年去世，我肯定能见着。我当时见了陈半丁、吴作人，包括张正宇，他还给我画了一只猫寄过来。我去见陈半丁，他也给我一尺的梅花。“文革”的时候，见刘凌沧、蒋兆和、周思聪、卢沉，他们给我艺术启蒙。那时我家对门是顿立夫，我经常去找顿先生，跟他长谈。后来我一直在画画，蒋兆和先生让我解决造型问题。画到40岁左右，我觉得中国画并不单是造型问题，也不是解决笔墨的问题。我在想，中国画大画家一般都是大器晚成，六十岁以后才成名。人家说越画越老到，到底怎么回事？
齐白石，人骂我我也骂人，北京画院收藏
为什么提出这个问题？我三十岁的时候根本看不进去传统，我四十岁的时候刚读一些传统的东西，那个时候我们的教育就是这样。可是到现在，我觉得如果不进入这个源流里面，你根本摘不到它最核心的东西是什么。这个核心的东西都是画外的，是一种修养，一种对中国整体艺术的认识。我们现在把中国画的山水、花鸟、人物、书法完全割裂开，根本产生不了大师，因为中国画的技法本来就很少，没发一一割裂开来。反过来说，我们看今天的“重大历史题材”创作，“五千年文明”创作，大家只去刻画、塑造某个历史人物，却没有画出符合那个时代意境的作品。比如有人画兰亭，画了四十个人都在那里站着，没有一点背景，而中国画却主要在景，在意境。
中国画就是要创造意境，达到一种中国特有的境界。所以我们看傅山会特别感动，他最后能达到那个境界，完全是人、修养和技法统一了。这些大师最后扔的是什么？扔的是那些花架子的技法，有很多是一辈子把这技法全扔掉。
我们回归到传统是为了什么？这个也值得我们探讨的。八十年代中国画“革新”潮，到九十年代，大家做过不同尝试以后，内心空虚而渴望回归。回归了以后又是见什么学什么？那是皮毛。我们缺少的是一种对艺术的定义和自己的坚守。
如何对待中国画，就像如何对待中医，外国人永远不理解。他拿一根针，把了脉，开几副草药就治好了。你说科学吗？争论来争论去，倒霉的是中医。最后学中医的人都是学了西医以后再转中医，学中国画的人是学了西画再转中国画，骨子里就不对了。所以我觉得中国人的智慧就在于中医、戏剧，还有绘画和书法，达到了形而上的最巅峰，这是我对中国艺术的一种敬畏。
所以我特别敬佩我的老师周思聪，她在短暂的人生中经历了几个转折，她病痛十年，把所有的技法扔掉，最后达到升华的境界。她的荷花，那种生命力，没有办法复制。我们一生中，在追求中国画和中国书法的时候，我们到底是要追求什么？
周思聪，红荷，北京画院收藏
在这个问题上，我一直特别迷茫。几十年中国画的创新是在样式的变化中往前走，内在的、根本性的东西被抹杀了，中国画的边界和标准越来越模糊，毫不夸张地说，正逐渐走向消亡。当然，标准消失了以后，变成大家只要拿到这个舞台上的就都是好东西了。可是我觉得你们博物馆人所立的标准，那就是历史的标准。我们现在活着的人说什么都没有用，以后不是美术馆的标准，是博物馆的标准。我觉得你们博物馆的人才有标准判断谁能进入这个历史的文脉。
所以在这个问题上，书法决定了中国画的高度。在书法上有所研究和探索，不是说你写得多好，也不是说你能超过谁，你所有的用笔，所有的东西，经过了几十年的练习，就是跟别人不一样。现在能有一百人看出你有什么变化吗？可能99个人看不出来，可是你要自信，要在这里面练下去，要学下去。那就是说中国画里探究的最深的东西。你能进入它的语境中，你会很欣赏。我觉得，我们的前辈他们进入了以后，也不会给你说。可能我们永远进不去，这是一代人和前一代人的差距。
现在学画的，有多少天才的画家呢？学画是去拿文凭的，可能有90%的人是不喜欢这件事的，拿到这个文凭要去谋业，要参加全国美展，要入会，要成名，最后，就呈现了我们现在全国美展的现象。而且全国美展上，我感觉我们评委的水平也并不高，他看不出好坏，他看的只是效果。我们讨论这个问题，我觉得这个问题是不需要答案的，可是我们需要对撞，需要提高认识。我觉得我最享受的是找一个知音，他们就谈谈，是往上走，而不是往下走。
八大山人，行草题鱼图轴
姚震西（中国美术家协会会员）：书法训练是一种修心
书法和中国画，从技术层面来说，最表层的应该是笔墨问题了。我觉得更重要的还是一种体验，通过书法去体验这种传统的美。书法里面也可以看到一种和内容结合以后的诗意的美，这种美和你读一首诗和看字的情况不一样，这种体验更能打动我们。就我来说，书法的训练或者阅读其实更多的是一种修心，更重要的是滋养，这是我们学习书法更高层面的东西。这是对我们画国画的在精神层面的一个提升。
对书法训练、临帖或者书法日课，并不是刻意去做的事，这是一种日常。每天都处在这种气息当中，对画国画就有很有好处，这是潜移默化的。